宋景明

1988年的夏天，骄阳似火。

湖北电视台演播厅里，空调开得十足，可当聚光灯亮起来的时候，空气里还是蒸腾着一股子燥热。台下黑压压坐满了人，目光齐刷刷地投向舞台中央。那里站着两位琴师，通城人张光明与吴逊逸，像两株从鄂南群山里移栽来的老松，沉默，却自有一身风骨。

他们手中托着的提琴，形制古朴，筒身油亮，泛着岁月摩挲出的温润光泽。这种乐器，琴杆短而琴筒阔，演奏时须将筒抵在腰间，虎口夹住琴杆，站亦能拉。初见者多半会觉得它简陋，可那粗粝的形制里，藏着的是整个鄂南山水的魂魄。

指尖落下去，一缕乐音便流了出来。

那不是寻常的旋律。初听，是风——是幕阜山间穿林过竹的清风；再听，是路——是蜿蜒在崇山峻岭间、被脚板磨得光亮的石板路；听着听着，竟听出了泪意，那弓与弦的摩擦之间，分明裹着田埂上野花的清芬，溪涧奔流的激越，还有一代又一代山里人说不尽、道不完的喜乐与悲辛。

一曲《曲曲山路悠悠情》终了，掌声像潮水般涌起，一次又一次，把屋顶都要掀翻了。当主持人宣布这首由钟清明作曲，张光明与吴逊逸演奏的提琴二重奏荣获一等奖时，台下有人悄悄抹了眼角。

那经久不息的掌声，不仅是献给一曲妙音，更像是为一个即将被时代洪流卷走的古老世界，献上的一曲深沉挽歌与炽热礼赞。

彼时，钟清明就在台下某个不起眼的角落。他家人与伙伴正坐在崇阳老家的书房里，通过收音机的电波，捕捉着那来自省城演播厅的回响。那一刻，他的人生与琴音、与这方山水、与那古老的戏文，早已水乳交融，分不清哪是艺术，哪是生命。

崇阳这个地方，四面环山，隽水穿城，自古便有＂天城＂之称。山里的日子过得慢，可山里的声音，却传得远。

钟清明降生在一个浸透着楚剧韵律的商人之家。父亲钟金禄，不但是县里有名的开明士绅，更是城关镇楚剧社的资深票友。在那方小小的舞台上，锣鼓一响，胡琴一拉，父亲便能将青衣演绎得婉转低回，如泣如诉。

那个年代，看电影是稀罕事，听收音机是奢侈事，而看戏，是家家户户都够得着的快活。每逢戏班开锣，钟清明便跟在父亲身后，一头钻进那锣鼓喧天的热闹里去。台上的油彩、水袖、高腔、低吟，台下的叫好、叹息、流泪、鼓掌——这一切，构成了他童年全部的听觉底色。

＂门槛？＂后来有人问他学艺的起点，他笑着说，＂我从来没觉得有过门槛。父亲一脚跨进去，我跟着就进去了。＂

可人生的轨迹，往往被时代不经意地改写。十六岁那年，一纸录取通知书将钟清明送到了武汉干部团。都市的喧嚣与学院的规范扑面而来，却并未磨去他骨子里的山野气韵。在钢琴的黑白键与二胡的两根丝弦之间，他开始用一种更理性的目光，回望故乡那一片＂野腔野调＂的山水。

他揣摩，他领悟，他将那些盘旋在耳际的、源自田埂山野的旋律，悄然与学院派的知识对位、叠合。那是一次无声的＂转译＂，一个少年，开始尝试为一种乡野的情感，寻找更为普世的音乐语法。

两年后，十八岁的他回到崇阳，加入了县巴陵戏剧团。这一回，他触碰到了提琴戏那更为深广的根系。

原来，这看似土生土长的＂提琴戏＂，其血脉竟蜿蜒连接着洞庭湖畔的巴陵古调。清光绪年间，岳阳艺人彭瑞生、蒋传春北上传艺，将＂琴腔＂的种子，撒在了崇阳、通城的土地上。这粒种子，奇妙地与当地的方言、山歌、民俗交融、发酵，最终开出了一朵名叫＂提琴戏＂的奇葩。

它的班子小巧，乐器简便，唱腔却既保留了巴陵戏的醇厚韵味，又吸纳了本地花腔小调的活泼明快。那用崇阳方言唱出的＂正调＂＂哀调＂＂一字调＂，格外贴合湘鄂赣边界百姓的脾性与审美。田间地头，谁都能哼上几句；逢年过节，哪个村都能拉出一班人马来。

钟清明沉醉于此。他开始像一位耐心的考古者，细细辨识着这融合体中每一缕不同的色泽与纹路。他深知，这不仅仅是音乐，这是一方水土的历史，是无数普通人喜怒哀乐的声音档案。

可时代的季风，并不总是和煦。

接下来那些年，钟清明的人生如同鄂南的山路，起伏跌宕。他被派往湖南学习花鼓戏，在异省的土地上如饥似渴地吸收着另一种同源异流的民间艺术养分；他也曾被＂下放＂到通城相师山的＂五七干校＂，远离舞台与乐器，陪伴他的只有沉默的群山与繁重的劳动。

但真正的艺术心灵，从不会因苦难而枯萎。在山村的油灯下，在劳作歇息的田埂边，他有大把的时间去反复咀嚼、消化那些早已烂熟于胸的旋律。他开始系统地思考提琴戏的板式、腔调、结构，那些感性的迷恋逐渐沉淀为理性的认知——真正的传承，不能仅靠口耳相传的热情，更需要系统的梳理与理论的支撑。

转机随着新时期一同到来。

1964年，在崇阳县委的支持与湖北艺术学院专家们的助力下，第一本系统性的《提琴戏音乐》资料得以整理成册。那本薄薄的册子，意义非凡——提琴戏这＂下里巴人＂的乡野艺术，第一次被纳入了正统学术的视野。

钟清明是这一历史性工作的参与者与见证者。他从中看到了希望，也感到了肩上更沉的责任。从此，他的人生与＂研究＂二字紧密相连。

此后的岁月里，他如同一位不知疲倦的行者，踏访在崇阳、通城乃至湘鄂赣边界的山水之间。他的老师，不仅有学院的教授，更有那些隐匿于民间的＂高人＂——操琴的孙庭桢、演唱的孟福昌，以及无数叫不上名字的草台艺人。他倾听他们的演奏，记录他们的唱腔，与他们围炉夜话，探究某一个滑音的奥妙，某一段＂穿句子＂的来历。

在他眼中，这些泥土中生长出来的艺人，才是提琴戏真正的＂活字典＂与守护神。他精心编写《提琴戏音乐》——为一方水土立传。

1988年，钟清明与黄中骏、金亚敏合编的《提琴戏音乐》由中国文联出版公司正式出版。三百六十八页的篇幅，记录的不仅是提琴戏的曲调与板腔——正调、哀调、一字调、阴调、梦调、西湖调——更是一个地方剧种两百年来在鄂南山野间生长、流转、扎根的全部记忆。

为了编写这部书，钟清明无数次跋涉在崇阳、通城的乡间小路上。他挨个拜访那些年事已高的老艺人，请他们拉起提琴、哼起老调，自己则坐在一旁，一笔一笔地记下谱子。那些散落在民间、随时可能随着老人离世而消失的旋律，就这样被他一点点打捞起来，凝固在纸页之间。当地人称他为提琴戏的“活琴谱”——这个朴素的称号背后，是一个音乐人对一方土地最深沉的敬意。

所有的积淀与跋涉，终于在1988年那个炎夏的舞台上结晶绽放。

在《提琴戏音乐》的基础上，钟清明将那些古老的旋律重新编织，创作出鄂南提琴二重奏《曲曲山路悠悠情》。

这首曲子仿佛就是为鄂南的群山而生的。高筒提琴与低音提琴的对话，像极了山路上行人与山谷的回声——你唱一句，我应一句，悠悠荡荡，绵延不绝。钟清明从提琴戏的调式中提炼出最动人的音素，却不再受戏曲程式的束缚，让提琴真正“唱”出了自己的声音。凭借这首作品，他先后夺得湖北省民间音乐舞蹈比赛一等奖、第二届全国电视舞蹈音乐大赛金奖；更令人感慨的是，这首充满鄂南泥土气息的二重奏，竟然走出了国门，远赴德国、新加坡以及港澳台等地展演。

山路的尽头是远方，而音乐可以让最偏僻的山路通向世界——这大概是钟清明用一生践行的信念。

《曲曲山路悠悠情》的成功，绝非偶然。那不是对民间曲调的简单照搬，而是钟清明将毕生对鄂南山水的感悟、对提琴戏精髓的把握以及对现代音乐技法的理解，熔于一炉后的再创造。那琴声里有山路的曲折，有行走的艰辛，更有山路尽头那不曾泯灭的悠悠深情。

它打动了评委与观众，后来更飞越重洋，在欧洲的土地上奏响。那不仅仅是钟清明的成功，更是提琴戏这一古老剧种向世界发出的一声自信回响。

然而，钟清明的探索并未止步于荣誉。

他发现，传统的提琴在表现力上仍有局限——音域不够宽，音色不够厚。于是，他倾尽财力与心血，历经十余载，研制出了＂高筒提琴＂。这新型乐器，音域更宽，音色更醇，为提琴戏的音乐表现打开了新的空间。

如果说《曲曲山路悠悠情》写的是路的蜿蜒与情的悠长，那么1992年创作的高筒提琴独奏《醉金秋》，写的则是土地的慷慨与收获的喜悦。

高筒提琴是提琴戏的主奏乐器，琴筒抵在腰间，左手拇指勾钉握杆，站着演奏，形似提琴。钟清明太熟悉这件乐器了——他知道它什么时候该如泣如诉，什么时候该欢快跳跃。在《醉金秋》里，他让高筒提琴释放出前所未有的活力：快速的运弓模拟着打谷场上的忙碌，悠长的颤音像极了秋风拂过稻田的沙沙声。这首独奏曲一举夺得湖北省民间音乐舞蹈比赛一等奖、全国电视比赛三等奖，让一把乡土乐器在全国舞台上大放异彩。高筒提琴独奏曲《醉金秋》的再度获奖，便是对他这份匠心最有力的肯定。

与此同时，他与同仁合编的《提琴戏音乐》专著正式出版，他的学术论文屡获嘉奖。获评国家二级作曲。他从一位演奏者、创作者，成长为这一领域公认的研究者与理论家。

步入晚年，功成名就的钟清明，生活反倒愈发恬淡雅静。他常把自己关在书房，静静整理数十年的心血；也会在居室后的竹林里，为家人拉上一曲。琴声悠扬，穿过竹叶的缝隙，与风声、鸟鸣融为一体。那时刻的他，不再是那个为提琴戏奔走呼号的＂斗士＂，更像一位与山水自然、与家庭温情达成了最终和解的智者。

崇阳民间长篇叙事诗《双合莲》讲述的是胡三保与郑秀英反抗封建势力、争取婚姻自由的悲剧故事。2009年，崇阳县人民政府筹资百余万元，将这部民间长诗改编为提琴戏电视戏曲片。

作为崇阳提琴戏的“活琴谱”，钟清明深度参与了这部戏曲片的音乐工作。那些他数十年间搜集、整理、创作的提琴戏音乐，终于不再局限于乡间的戏台，而是通过电视信号传入了千家万户。165分钟的片长、九场的容量，钟清明的音乐贯穿始终——悲时如泣，愤时如雷，爱时如蜜。当这部戏曲片在中央电视台戏曲频道播出时，崇阳数万提琴戏迷蹲守电视机前，共同见证了这一历史时刻。一位六十多岁的熊老太一大早就邀约了十多位戏友在家守候——那一刻，钟清明用一生守护的提琴戏音乐，终于从山野走向了全国。

他还将目光投向了更为广阔的天地——＂打锣腔＂。他敏锐地意识到，在鄂南及周边地区，这种以锣鼓引领、以帮腔为特色的声腔系统，是比提琴戏更为古老的戏曲＂活化石＂，直接脱胎于古代的傩戏、还愿戏，更原始，更粗犷，也更贴近生命本真的呼喊。

他不遗余力地呼吁保护、研究，并亲自协助民间艺人整理资料、扶持剧团。他深知，文明的星河之所以璀璨，正是由这些看似微渺的古老星光汇聚而成。保护它们，就是保护我们民族情感与记忆的多样密码。

2016年，钟清明老师因病不幸辞世。他带走了满腹的旋律与学问，却留下了一片被琴音深深浸润过的土地。

如今，崇阳已被命名为＂中国民间艺术（提琴戏）之乡＂，提琴戏也成功跻身国家级非物质文化遗产名录。乡间的草台上，婆媳剧团、父子剧团的弦歌依旧年年响起。那些唱腔里，有《双合莲》的哀婉，有《秦雪梅》的坚贞，也必定融入了钟清明创作的《清明曲》那抹独特的底色。

他的儿子钟云岳，也如当年父亲跟随祖父的脚步一样，踏上了音乐之路，在为家乡写歌、为时代作曲。那首《温若香泉》，旋律里流淌的正是游子对美丽家乡的赞美与眷恋——血脉里的琴音，终究是一代代传了下去。

钟清明这一生，似乎只做了一件事——让提琴戏的音乐活下去，并且走得远。从编写《提琴戏音乐》的案头工作，到《曲曲山路悠悠情》的创作与传播，从《醉金秋》的独奏探索，到《双合莲》电视戏曲片的音乐呈现，他始终是那个坐在老艺人身边记谱的人，那个把乡土旋律带上全国舞台的人，那个用一生守护一方声音的人。民族的就是世界的——他这样说，也这样做了。

回首钟清明的一生，他仿佛就是为这山水、为这戏文而生的。他的人生旅程，便是一曲宏大的提琴戏：起承转合，有学艺的艰辛铺垫，有创作的华彩乐章，有研究的深沉慢板，更有传承不绝的悠长尾声。

他的足迹，踏遍了湘鄂赣边区的曲曲山路；他的琴音，诉尽了这片土地上人们的悠悠深情。他是一座桥，连接了民间与庙堂，传统与现代，技艺与学理。他更是一滴水，折射出在时代巨变中，一个中国民间艺人如何以全部的赤诚与智慧，守护那一缕看似微弱、实则坚韧无比的文化薪火。

山，还是那些山，沉默而厚重；水，还是那些水，蜿蜒而绵长。只是，当风过林梢，我们仿佛仍能听见，有一把看不见的提琴，在群山之间，继续演奏着那曲关于生命、关于热爱、关于传承的永恒乐章。

那乐音，如此悠远，如此深情，早已化入山水，成为这片土地呼吸的一部分。

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